Здравствуйте, коллеги-киноманы. С завтрашнего дня в прокате стартует боевик «Пацан против всех», в котором Билл Скарсгард молча крошит всех налево и направо, Шарлто Копли переживает за свой костюм, а Фамке Янссен по-прежнему прекрасна. Я побывал на премьере и хочу сказать пару слов о фильме.

Когда я был подростком, никто не заморачивался насчёт того, что боевики можно смотреть только с определённого возраста. Вход в видеосалон стоил рубль – вот и все условия. Сегодня же на производителях фильмов висит множество ограничений, так что, когда они принимают решение снимать боевики для подростков, в кадре почти ничего нельзя показывать – ни кровь, ни переломы, ни разлетающиеся части тела и т. д. Такие боевики получаются стерильными и пресными.

Но есть авторы, которые предпочитают снимать боевики для тех, кто не теряет сознание при виде крови на экране. В таких случаях и появляются ленты вроде «Пацана…». С первых же сцен зрителю дают понять, что компромиссов не будет. Если будет рана, будет кровь. Если будет кровь, то камеру не выключат в этот момент.

Хореография боевых сцен тоже не прилизанная, не изящная. Грубые драки, в которых почти нет места позёрству – есть только желание главного героя дойти до конца. Пусть для этого и придётся устелить свою дорогу телами противников.

Кстати, ещё в фильме приятный юмор. Авторы нащупали баланс между шутейками и экшеном, однако (и это, пожалуй, единственный недостаток фильма) ближе к концу действие становится уж слишком серьёзным. Из-за отсутствия забавных моментов создаётся ощущение, что чего-то не хватает. По этой причине последняя четверть фильма получается затянутой. Впрочем, это не отменяет многочисленных преимуществ новинки перед боевиками 6+.

И вместо итога. Пробовать искать смыслы в подобных лентах – дело наивное или даже глупое. Так что я завершу свой обзор, процитировав диалог режиссёра Сэма Пекинпы с кинокритиком:

Кинокритик: Зачем вы на самом деле сняли «Дикую банду»?
Пекинпа: Люблю всех перестрелять.

Благодарю за внимание, за донаты благодарю вдвойне.

Фильм «Пацан против всех» в прокате с 16 мая.

P.S. а ещё в фильме много отсылок к таким фильмам, как «Бегущий человек», «Эквилибриум» и т. д.

Здравствуйте, коллеги-киноманы. Захотелось окунуться в американские 70-е – время, когда мужчины были мужчинами, женщины – женщинами, а кино создавалась для зрителей, а не для меньшинств. Выкладываю перевод нескольких фактов о старом добром фильме «Полицейский и Бандит» (также встречается перевод «Смоки и Бандит»), главную роль в котором блестяще сыграл Берт Рейнольдс.

Также по теме:

16 фактов о легендарном "Конвое"

11 фактов о фильме "Побег" со Стивом Маккуином

• Режиссёр Хал Нидхэм первоначально планировал фильм как низкобюджетное кино с Джерри Ридом в роли Бандита. Когда Нидхэм гостил у своего друга Бёрта Рейнольдса, он попросил его ознакомиться со сценарием. Рейнольдс оценил его как «один из самых худших», но сама идея трюкового фильма про контрабанду пива показалась ему интересной. Хэл Нидхэм тогда был более известен в киноиндустрии как каскадер, и ему с большим трудом удалось заинтересовать продюсеров своим проектом. Но, используя своё влияние и связи в Голливуде, Рейнольдс выбил более щедрое финансирование и сам снялся в главной роли. А Джерри Рид в итоге сыграл друга Бандита, Снеговика.

• Хэл Нидхэм попросил Джерри Рида написать тематическую песню для фильма. Через несколько часов Рид представил Нидхэму песню East Bound and Down. Взяв акустическую гитару, Рид начал играть ее, и Нидхэм тут же остановил его. Подумав, что Нидхэму она не понравилась, Рид предложил переписать песню. На что Нидхэм ответил: «Если ты изменишь хоть одну ноту, я тебя убью». Песня стала одним из самых больших хитов Рида.

• Сначала студия выделила на фильм $5.3 млн. Однако впоследствии бюджет был урезан до $4.3. Учитывая, что гонорар Берта Рейнольдс составлял миллион долларов, у Нидхэма оставалось всего $3.3 миллиона долларов на создание фильма. Лента стала второй по кассовым сборам за 1977 год (её касса – $126.7 млн) – её обошёл только четвёртый эпизод «Звёздных войн».

• Берт Рейнольдс рассказывал, что один из руководителей компании Pontiac пообещал ему в подарок Pontiac Trans-Am, если фильм станет хитом. Фильм стал хитом, а продажи Trans-Am подскочили с 68 745 штук в 1977 году до 93 341 – в 1978 году. В 1979 году это число выросло до 117 108 проданных экземпляров. Рейнольдс ожидал, что руководитель выполнит свое обещание, но Trans-Am ему так и не прислали. Через несколько месяцев Рейнольдс все-таки позвонил в Pontiac. Оказалось, что руководитель, обещавший автомобиль, ушел в отставку, а его преемник отказался выполнять обещание предыдущего.

• Благодаря этому фильму продажи CB-радиостанций (радиостанции «гражданского диапазона») резко возросли, и превратились в популярное развлечение среди водителей. Это стало серьезным раздражающим фактором для профессиональных дальнобойщиков, поскольку другие водители постоянно высматривали в радиодиапазоне соседний грузовик, пытались попрактиковаться в жаргоне CB и просили их посигналить.

• Пари заключалось в том, что Бандит и Снеговик должны были доехать из своего дома в Джорджии до Техаса, забрать 400 ящиков пива и вернуться обратно в течение 28 часов. По их словам, путь туда и обратно составлял 1800 миль. Чтобы успеть, им пришлось бы ехать со скоростью чуть меньше 65 миль/час на протяжении всего пути (примерно 104 км/час). Это без учета времени на сон, еду, остановки и т. д.

• Салли Филд признается, что сразу после того, как она согласилась на роль Кэрри, она поняла, что это разрушит ее карьеру. Но уже в 1980 году она получила «Оскар» за главную роль в фильме «Норма Рэй».

• В оригинальном сценарии наградой за победу был новый грузовик, а не $80 000.

• «Смоки и Бандит» - это название относится к двум людям: «Смоки» на сленге – это офицер дорожного патруля штата, а «Бандит» (Берт Рейнольдс) – это плут.

• Трюк, в котором Бандит и Кэрри врезаются на своей машине в бейсбольный матч, едва не закончился трагедией. Женщина-дублер потеряла контроль над автомобилем, который покатился по мокрой траве, врезавшись в павильон, где находились десятки детей-актеров. Чудесным образом никто не пострадал, и кадр попал в финальную версию. Ни водитель, ни съемочная группа не знали, что поле поливают прямо перед съемками.

Благодарю за внимание. А если ещё рублём поддержите, то и за донат благодарю.

Любите этот фильм?

Источник

Дождался я цифрового релиза ленты «Годзилла: Минус один», которая стала самым кассовым фильмом в японском прокате прошлого года, а также получила «Оскар» за лучшие спецэффекты (ещё 40 побед и свыше полусотни номинаций).

Мой любимый фильм о Годзилле — оригинальная чёрно-белая лента 1954 года. В те времена авторы концентрировались на социальных аспектах, человеческих проблемах, а экранных монстров делали символом того или иного понятия. Американцы же сегодня не умеют снимать кайдзю-фильмы, междустрочие их не интересует от слова «совсем» (даже когда они снимают прекрасного Жана Рено, который жуёт жвачку, чтобы походить на американцев). Оттого так любопытно было посмотреть новую ленту, которую сняли именно японцы.

Впечатления

Нам рассказывают историю человека, который лишён героических черт. В какие-то моменты он решительно действует, в какие-то – также решительно поджимает хвост. Он старается выживать и временами идёт сам с собой на компромисс, заключает сделки с душой. Пытается жить, работать, а в редкие минуты – даже радоваться тому, что у него есть. Но каждую ночь прошлое его настигает в виде кошмарных снов – когда Годзилла перебил почти всех людей небольшого лагеря, а протагонист даже не попытался им хоть как-то помочь (хотя у него был крупнокалиберный пулемёт).

Годзилла в этом фильме выступает символом неумолимой судьбы, разрушительных последствий принятых решений. Можно сколько угодно надеяться, что всё наладилось, регулярно опустошать токкури с саке, но когда прошлое будет настигать, руки будут всё также неметь, а ноги подкашиваться от ужаса. И пока ты будешь от него убегать, оно будет только наращивать свой разрушительный потенциал. Так, в повествование идеально легли параллели с операцией «Перекрёсток», во время которой США провели серию тестов атомной бомбы в 1946 году – мол, после них монстр стал ещё могущественнее. Или он становится могущественнее с каждым бегством главного героя от самого себя?

От прошлого нельзя отречься, принятые решения нельзя изменить постфактум. Не прошёл первое испытание, сбежал – погибло десять человек, не прошёл второе – уничтожен крейсер с сотней человек, не прошёл третье – разрушен город, жертвы исчисляются десятками тысяч, причём в этот раз под ударом оказались близкие. Прошлое нельзя стереть или взорвать морской миной – оно восстановиться даже после десятка мин. Его можно только принять и встретиться с ним лицом к лицу. Главное, чтобы не стало слишком поздно, иначе прошлое сотрёт и тебя. Вместе с душой, которую источит ужас. Именно об этом новый фильм.

Отдельно авторы раскидали штрихи, которыми обозначили правительство страны. Так, в одной сцене звучит фраза «В Японии прекрасно умеют манипулировать информацией», а в другой происходит следующий диалог:

- Этот план означает верную смерть?
- Конечно, нет.
- Тогда это всяко лучше, чем было на войне.

С одной стороны, как бы необязательные «заметки на полях», с другой, очень даже показательные намёки.

И вместо итога. Когда сел за написание этой заметки, узнал, что фильм «Годзилла: Минус один» есть не только в цвете, но и в ЧБ – как дань уважения оригинальному фильму 1954 года. В следующий раз посмотрю именно эту версию. Почему я уверен, что новинку буду пересматривать? Потому что теперь у меня два любимых фильма про Годзиллу.

Благодарю за внимание.

Источник

P.S. и да, очень меня порадовали отсылки к «кислородному разрушителю» из фильма-оригинала.

Р.P.S. как-то мимо меня прошла японская лента «Годзилла: Возрождение», выпущенная в 2016 году. Нужно будет исправить сей досадный промах, ибо, как оказалось, у неё тоже был замечательный приём.

Здравствуйте, коллеги-киноманы. 1 мая на KION стартовал новый комедийный сериал «Дядя Лёша», главный герой которого (Тимофей Трибунцев) днём работает дворником в школе-интернате, а ночами ворует у богатых. Один его «налёт» проходит не совсем по плану, так что теперь у полиции появилась зацепка. Также воспитанники детдома не такие уж и глупые, любимая женщина считает, что у него появилась другая (иначе где он пропадает ночами?), а директор детдома внезапно начала оказывать знаки внимания…

Впечатления

Я очень люблю комедии положений, когда зритель прекрасно понимает, почему герой оказался в том или ином положении, однако со стороны других персонажей вопросы очень даже закономерны. Уже под конец первой серии «Дяди Лёши» мне хотелось заорать на героев и всем объяснить, кто что кому. Но авторы не стали развязывать этот узел сразу – решили зрителя поинтриговать. С одной стороны, рычать хочется, с другой – смешно от того, что Тимофей Трибунцев (с очень определённого ракурса) выглядит завидным женихом.

Тут же стоит сказать, что к актёру Трибунцеву уже давно никаких вопросов – это артист широчайшей амплитуды. Но всё ему «везёт» на роли каких-то недотёп и отщепенцев. Приятным исключением для меня в своё время стала лента «Пациенты», в которой он сыграл уверенного в себе и богатого психоаналитика. Чувствую, в новом сериале (я пока посмотрел две серии из восьми) авторы предоставят актёру карт-бланш и он всем покажет, чего стоит. Во всяком случае, уже сейчас можно сказать, что экранная химия между героями Тимофея Трибунцева и Анны Уколовой – это что-то с чем-то. Так что продолжаю смотреть.

Благодарю за внимание.

Сериал «Дядя Лёша» на KION с 1 мая.

Здравствуйте, коллеги-киноманы. Многие из нас детстве/отрочестве регулярно спорили до потери сознания, кто же круче — Арни или Слай. Однако, в один момент споры сместились к другим героям — к Ван Дамму и Лундгрену. И все после того, как два актера чуть не устроили агрессивное выяснение отношений прямо на красной дорожке:

Сейчас уже никаких сомнений в том, что все это было постановкой, ребята решили подлить масла в огонь и обеспечить дополнительно промо первому "Универсальному солдату" (факты о фильме и альтернативную концовку я выкладывал тут). Однако, с тех пор споры не прекращаются. Итак, давайте сравним бойцовые характеристики актеров и их спортивные достижения.

Жан-Клод Ван Дамм

Средний вес, темповик. Рост - 177 см.

Черный пояс по карате шотокан (сётокан).

Чемпион Европы по карате и кикбоксингу 1979 года среди профессионалов.

Провёл 22 боя (карате и кикбоксинг), 20 раз победил, 2 раза проиграл решением судей.

Ну и естественно - знаменитый удар с разворота в прыжке, пластика и шпагат, который оценили даже в Volvo:

Также по теме: Чак Норрис против Стивена Сигала. В реале

Дольф Лундгрен

Тяжелый вес, силовик. Рост - 193 см.

Черный пояс по карате киокусинкай (кёкусинкай). А это чуть ли не самый трудный и жесткий стиль карате.

В 1977 году будущий актер выиграл титул чемпиона Швеции по киокусинкай. А потом еще удерживал его три года.

В 1979 году принял участие в чемпионате мира, в котором дошел до самого Макоту Накамуру. Накамура был тогда уже опытным бойцом и обладателем второго дана чёрного пояса (у Дольфа тогда был зеленый), а еще соперник был тяжелее Лундгрена на 17 кило. Но при всем при этом японец выиграл только в дополнительном раунде - да и то решением судей.

В 1980 году Лундгрен победил на открытом чемпионате Великобритании.

Когда показывали "Короля ринга", наш Олег Тактаров одолел Лундгрена. Правда, справедливости ради стоит отметить, что Дольф не пользовался ногами.

А еще Лундгрен как-то Сильвестру Сталлоне ребра сломал. Больше Слай не просил его работать в полном контакте.

Ну а вы как считаете, кто бы кого сделал? Рост, мощь и опыт в контактном карате или пластика, темп и баланс? "Универсальный солдат" дал нам ответ на этот вопрос, но это всего лишь кино.

Благодарю за внимание.

21 апреля в КЦ «ЗИЛ» у Театра Новых Пьес премьера «Концерта-трагедии Женитьба» (по пьесе «Женитьба. Совершенно невероятное событие в двух действиях» Николая Гоголя). Я уже был на нескольких спектаклях этого театра, так что незадолго до премьеры встретился с главным режиссёром театра Хореном Чахаляном и расспросил его о спектакле, театре и актёрах, которых хочется обнять.

Здравствуй, Хорен.

Здравствуй, Марсель.

Так, 21 апреля у вас одновременно и премьера, и возвращение к истокам – впервые за четыре года вы играете «Женитьбу», с которой и начался ваш Театр Новых Пьес. Расскажи о самом спектакле и о том, как вы к нему пришли.

Да, это спектакль, с которого началась история нашего театра. В январе 2017 года Николай Коляда (заслуженный деятель искусств Российской Федерации — прим. ред.) набирал труппу в свой московский театр. Я прошёл кастинг, через несколько месяцев начались репетиции. Прошло дней двадцать, а потом оказалось, что там какие-то проблемы с пространством, с арендодателем. В общем, это здание будут сносить.

Мы десять месяцев были в подвешенном состоянии. И я в какой-то момент понял, что я хочу сам поставить спектакль. У нас тогда была режиссёрская лаборатория в Ялте, рядом с дачей Чехова. Мы репетировали «Три сестры». И тут я еду в метро, и у меня видение. Я полностью от начала до конца вижу весь спектакль, кроме последней сцены. Со мной такое было, кстати, впервые. Но увидел я не «Трёх сестёр», а «Женитьбу». Увидел полностью, как он должен произойти. Пришёл на репетицию и говорю: ребят, мы ставим «Женитьбу». Тогда у меня была помощница Юлия Сытова. Она музыкант. Я позвонил ей и говорю: Юль, я верю, что спектакль должен быть под живую музыку, с живым мини-оркестром. Но они должны быть не просто музыкантами, они должны быть полноценными участниками спектакля. Юля нашла музыкантов, и мы начали репетировать.

В один из репетиционных дней мы пригласили Николая Владимировича на спектакль. Он увидел этот спектакль и был в восторге. И на следующий день он мне сказал: Хорен, а как ты смотришь на то, чтобы вы сыграли премьеру на Страстном (Театральный центр СТД РФ «На Страстном» — прим.ред.)? Я говорю, что это просто идеально. Он говорит: хорошо, я уже договорился, вы играете на Страстном. И мы играем на Страстном. У нас были зрительские овации невероятные. И после этого спектакля, этого фурора Николай Владимирович сказал мне: всё, ты главный режиссёр театра.

После этого у нас было много других спектаклей: «Диагноз: Три сестры», «Чехов. Чайка. Нет, не то», «НЕспектакль Свой путь», «Научи меня любить». Но я всегда говорил, что хочу вернуть «Женитьбу». И вот наконец-то я понял, что пришло время. Четыре года мы не играли этот спектакль, и четыре года зрители спрашивали: когда вы вернете наш любимый спектакль? Недавно мы выложили 10-секундное видео, и люди начали писать нам в директ театра: мы узнали мелодию за три секунды. Это очень приятно.

То есть американские фильмы часто заканчиваются свадьбой, а у Театра Новых Пьес с «Женитьбы» всё только началось. Вы с самого начала, получается, решили ломать стереотипы?

Да, верно (смеётся).

Замечательно. Вот ты упомянул, что люди узнают музыку из этого спектакля за три секунды. Расскажи подробнее о музыке.

Почти во всех своих спектаклях я сотрудничаю с композиторами, которые создают прекрасную музыку. Но в «Женитьбе» композитора нет. Мы сами искали, пробовали и создавали музыку совместно с музыкантами. Я давал им актерские задачи, и они музыкально их выполняли. Они не только играют, но и комментируют спектакль. В некоторых сценах они играют, разговаривают, танцуют, двигаются, и все это органично переплетается друг с другом. Музыка стала неотъемлемой частью характера спектакля, так что сложно привлечь нового человека, который не прошёл этот путь вместе с нами. Работа музыкантов в спектакле превосходит просто исполнение музыки. Сейчас рассказываю о них и понимаю, как сильно люблю их всех!

Хорошо. Если композитора ни тогда не приглашал, ни сейчас, что изменилось?

На самом деле изменилось много чего. Потому что и мы другие, и время другое, но при этом остался гениальный текст Гоголя. Кстати, Гоголя я очень люблю. Считаю, что если артист смог сыграть Гоголя и Чехова, то он может сыграть всё. Я в этом просто уверен. Я и со студентами много работаю над Гоголем, потому что я считаю, что с Гоголем можно в хорошем театральном смысле этого слова побаловаться.

Про подготовку поговорили. Теперь скажи, что чувствуешь в связи с тем, что тот спектакль, с которого начался театр, спустя четыре года возвращается.

Ты знаешь, это и сильная радость, и большая ответственность, потому что спектакль был очень успешным. Некоторые зрители смотрели его пять, шесть, семь раз. И сейчас они ждут, чтобы прийти.

А за это время наша труппа превратилась… в труппу. В труппу, где есть единый язык, где все чувствуют друг друга, понимают. Потому что для того, чтобы сформировать труппу, которая понимает, чувствует меня, работает в одной эстетике, в одной стилистике, понимает те или иные обстоятельства, мне понадобилось четыре года. И вот сейчас я горжусь нашей труппой, я горжусь уровнем артистов.

И я думаю и уверен, что«Женитьба 2.0» будет лучше, чем «Женитьба», которая была тогда, потому что действительно мы выросли во всех смыслах этого слова.

За прошедшие четыре года мир очень круто изменился. Причём дважды. Эти внешние изменения найдут какое-то отражение в версии 2.0?

Это то, с чего я начал первую репетицию. И я про это сказал актёрам. То есть, если когда-то мы ставили просто комедию, то в сегодняшней реальности ты не можешь закрыть глаза и делать вид, как будто ничего не изменилось. Я чейчас расскажу одну историю.

Когда в Армении была война, у меня был очень активный рабочий график. То есть у меня была премьера на носу, у меня были активные гастроли, у меня были выездные мастер-классы: Алтай, Благовещенск и так далее. И плюс у меня был ещё проект с подростками.

При этом у меня было сильное чувство вины, что люди умирают, а я тут живу богемской режиссёрской жизнью. Причём оно не уходило, а шло уже в крещендо. И в какой-то момент, я считаю, что это Бог сказал, я услышал: у тебя сейчас есть возможность разговаривать с огромным количеством людей, с подростками от 14 до 18 лет. Это потенциально те люди, которые завтра могут сделать войну. У тебя есть голос, чтобы говорить и доносить до них любовь, человеколюбие, добро и так далее, чтобы они понимали, что ничего важнее человека и человеческой жизни в этом мире нет. Я прям это услышал. Мне это настолько помогло. И поэтому мне кажется, что в театре есть эта сила. Я скажу словами того же Гоголя: «Театр – это такая кафедра, с которой можно много сказать миру добра». И я надеюсь и верю, что мы очень много скажем миру добра нашим спектаклем.

Так, посмотрим под другим углом. Если находишься под определёнными веществами или просто долго смотришь на тот же «Чёрный квадрат» Малевича, можно там увидеть другую вселенную, вход в параллельные измерения, открыть для себя смысл жизни. Но это всё не заслуга художника. Это всё-таки уже больше человеческое воображение, мировосприятие. В репертуаре Театра Новых Пьес: Гоголь, Чехов, Пулинович. Как ты подходишь к выбору материала для постановки? Что ты видишь, когда читаешь ту или иную пьесу?

Это очень интересный вопрос. Почему? Потому что я никогда не выбираю специально. То есть, я не знаю, как это происходит. Вот я рассказал, как я «Женитьбу» выбрал. Также я выбрал Чехова. Я изначально хотел ставить«Чайку», потом «Три сестры». Но «Три сестры» каким-то волшебным образом сами сказали «нет».Это спектакль, который разделил историю театра на «до» и «после». Вот всё это время, когда мир менялся, мы репетировали «Три сестры». Мы его репетировали два года. И постоянно что-то происходило. Сначала история с ковидом, когда мы все были заперты. Наша хореограф была в Австрии, один из артистов в Эстонии. Мы просто каждый день созванивались по зуму, и это нас спасало. Мы были вместе. Да, к чему я это всё говорю? Я никогда не выбираю самостоятельно. Я верю, что не я выбираю пьесы, а они выбирают меня. Вот это абсолютно.

Как-то я наткнулся на пьесу Ярославы Пулинович «Свой путь». Начал читать и уже на третьей странице понял, что я уже буду ставить этот спектакль, я знаю, как. Я звоню актрисе, говорю ей про это, и всё. Опять-таки, я никогда не делаю специальное распределение. Я читаю пьесы голосами своих артистов. Я вижу их уже в действии. То есть, когда я читаю, я вижу их действия, как они двигаются, как они это делают. И читаю их голосами. И распределение происходит автоматически.

Вот мы и перешли к актёрам. Я был уже на трёх-четырёх твоих спектаклях. И я каждый раз поражаюсь, сколько ты символов, смыслов надстраиваешь поверх авторского текста. Но между твоим видением как режиссёра и моим впечатлением как зрителя есть очень важный пласт – актёры. Соответственно, вопрос – как ты с ними работаешь? Потому что одни режиссёры пользуются своим авторитетным статусом, говорят актёрам: ты делаешь это, ты делаешь это. Другие режиссёры начинают долго и вдумчиво объяснять от и до. Вот тебе какое подход ближе?

Сегодня — это два в одном. Я пользуюсь авторитетом, потому что мы вместе поставили уже восемь спектаклей, и актёры знают, что это всегда работает. И второе, хотя по значимости, наверное, первое, это фраза Вячеслава Полунина: «Я работаю только с теми людьми, кого хочу обнять». Я очень сильно люблю своих артистов. Я знаю, что это взаимно.

Для меня театр, это не работа, не хобби, это моя жизнь. Театр сформировал меня как личность. И в первую очередь для меня очень важен человеческий фактор, потому что мы с актёрами разделяем очень важные ментальные истории, мы с ними одинаково мыслим в каких-то глобальных человеческихи моральных аспектах. И для меня это очень важно. И поэтому, когда я говорю что-то, я понимаю, что они разделяют эту человеческую позицию со мной, именно гражданскую, человеческую позицию. Что касается именно режиссёрско-актёрской работы, то да, мне понадобилось четыре года, чтобы сформировать ту труппу, которая чувствует, резонирует, вибрирует. И у нас есть очень много общего теперь. У нас есть воспоминания, спектакли, репетиции, гастроли и так далее. И очень много историй.

Расскажи, пожалуйста, про людей, которых хочется обнять. Я так понимаю, это не единственный критерий, да? Как вообще артисты попадают в Театр Новых Пьес? На что ты обращаешь внимание? Ты уже сказал про человеческие качества, но, может, есть что добавить?

Это чувственный опыт, который логическому анализу не поддаётся. Я не могу структурно объяснить, почему я выбрал этого или другого артиста. Или не выбрал. Вот моя любимая подруга, актриса, я недавно стал крёстным отцом её дочери, Валерия Скороходова, предупредила, что она скоро станет мамой. Предупредила, что отработает какое-то время, но нужно вводить новых актрис, пока она будет в декрете. И я начал искать. Мне приходило много портфолио актрис, некоторые приходили на личную встречу, я общался с ними, просматривал их визитки и... не чувствовал их. И внезапно в какой-то момент я вспомнил о другой актрисе, которую решил пригласить. Когда я её пригласил, я почувствовал связь, но понимал, что наше сотрудничество ограничено определённым временем, и после этого мы расстанемся как хорошие друзья. Так и произошло.

Недавно мы объявили кастинг для актрис, на который подали заявку 97 человек, из которых я выбрал троих! Одной из них оказалась Юлия Бурлова, которая впервые сыграет 21 апреля в спектакле «Концерт-трагедия Женитьба». Я почувствовал её искренность. С каждой репетицией я все больше убеждаюсь, что моя интуиция меня не подвела.

Также есть Лиза (Елизавета Бочкина, играющая роль Агафьи вместе с Анастасией Попковой). Несколько дней назад я просто посмотрел на неё, а она уже говорит: «Я поняла». И она сделала то, что я даже не успел озвучить. Понимаешь? Это такой режиссёрский восторг.

Так, сейчас будет вопрос с подковыркой. Я регулярно хожу в театры. И если не считать постановок Бориса Юхананова в Электротеатре Станиславского, у тебя, пожалуй, самые неудобные спектакли для сегодняшнего зрителя. Потому что многие режиссёры стараются что-то упростить, что-то разжевать. Когда я прихожу к тебе на спектакль, у меня мозг (хочет он того или нет) работает на 200%. Потому что я как зритель слежу за действием, за сюжетом, за актёрами, подмечаю, что в них меняется, ты много внимания уделяешь и одежде, и реквизиту, и тому, что происходит вообще на сцене, а я пытаючь при этом не сойти с ума (в хорошем смысле этого слова). Андрей Тарковский как-то сказал, я никогда не сделаю шага на встречу к зрителям. Соответственно, мой вопрос: почему ты не идёшь по пути, скажем так, массовому? А выбрал такой сложный путь, неудобный. Ты ставишь спектакли не для масс. Это не мейнстрим. Если использовать киношный термин, то это авторское кино, фестивальное кино. Почему?

Это прозвучит, наверное, пафосно, но для меня это не сложный путь. Я вот недавно про это говорил своим артистам. Я всегда говорю, что есть принципиальная разница, играть ради зрителя или для зрителя. Для меня важно играть для зрителя, где есть пространство и место для диалога.

Я должен смотреть как зритель и восхищаться артистом. Я должен смотреть на него и восторгаться. Когда я смотрю, как артист кривляется, чтобы понравиться мне, я начинаю его жалеть.

Я всю жизнь знал, что я буду заниматься тем, чем я сейчас занимаюсь.То есть у меня никогда не стоял выбор профессии. Я с 5 лет всегда занимался тем, чем занимаюсь сейчас. Если было 2-3 человека, я что-то репетировал. И это, я как сказал раньше, моя жизнь, которая меня сформировала. Это мое мировоззрение, где я разговариваю с собой, со своими родными людьми, со своим прошлым, будущим, настоящим, с миром. Это мой язык коммуникации.

И упрощать его – это значит упрощать себя. Я этого не хочу, мне это неинтересно. Более того, мне кажется, я перестану быть собой, предам себя. И мне повезло с артистами: мы разделяем одни и те же моральные, человеческие темы. Очень сильно мы резонируем друг с другом. Хотя мы очень разные, на самом деле.

Это очень здорово. И напоследок: что ты хочешь сказать людям, которые ещё ни разу не смотрели твою постановку Гоголя?

Для меня очень важно, ты правильно заметил, авторское прочтение, авторское видение. Главное – понимать, что театр не скучен. Это не музейное пространство, это живой организм, место, где мы обсуждаем сегодняшний день. Моя цель не заключается в следовании исторической достоверности, потому что сам Гоголь не об этом говорил. Его произведения о человеческих взаимоотношениях, о слабостях, о человеческой нелепости и стремлении к признанию своей «важности» перед другими. Та же «Женитьба» – комедия, но в ней ярко выражены темы домашнего насилия и потребительских отношений. Мы поднимаем эти темы.

Наша профессия – это работа с людьми для людей. Наши персонажи взаимодействуют с артистами и зрителями. Эта совокупность человеческого присутствия здесь и сейчас порождает истину. Я верю, что Театр – это место, где можно встретиться с самим собой, со своими тараканами и исцелиться.

Я считаю, что современный театр – это живое, энергичное место, где тебя не заставляют чувствовать что-то, а где с тобой разговаривают, и ты уже включаешься в материю спектакля, проживая разный спектр чувств и эмоций!

Прекрасно сказано. И благодарю за интервью.

И я тебя. До встречи 21-го.

Удачной премьеры.

Трейлер спектакля:

Билеты по ссылкам:

«Концерт-трагедия Женитьба» 21 апреля;

«Концерт-трагедия Женитьба» 20 мая.